Logos, una promisoria aventura abstracta de Manuel Gracia

 

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Manuel Gracia: Logos 130. 2015, lacas y óleo sobre mdf, 110 x 170 cm

Desde que tuve la suerte de conocer su trabajo en una jornada de presentación de portafolios en 2013, he tenido la fortuna de acompañar la evolución de un pintor abstracto hacia la destilación de una obra cuya definición material y su pesquisa estética, no únicamente se hermanan con justicia, sino que logran una dicción pictórica hipnótica que ha situado a Manuel Gracia (Madrid, 1964) entre los autores más estimulantes surgidos en el ámbito de la pintura abstracta en España en los últimos años.

Ya desde nuestro primer encuentro comenzó una relación marcada por la compañía de inquietudes estéticas y experiencias y que me permitió estudiar el desarrollo de las múltiples vías de experimentación emprendidas por el pintor en torno a diversos lenguajes pictóricos abstractos, algunas más geométricas (su serie Geo), otras más cercanas a la corriente tachista del informalismo (su serie Tach) y otras en las que abrazaba una abstracción más manifiestamente lírica (con los barridos pictóricos de la serie Now, o los pigmentos muy diluidos, de los que se servía en serie Fluid)[1].

Poco después de mi regreso de Ecuador, Gracia me mostró en su estudio los primeros resultados de una serie que acababa de emprender. Aquellas pinturas fascinantes presentaban ya las características que habrían de compartir los restantes miembros de esta familia pictórica. Mi reciente lectura de las obras completas de Pablo Palacio, que había traído conmigo a mi vuelta, y en virtud del interés del escritor lojano por Heráclito, me había conducido a la recuperación de los fragmentos que constituyen cuanto nos ha legado ese enigmático pensador[2]. Al contemplar las obras de Gracia no pude sino proponer a Gracia que Logos podría ser un buen nombre para denominar esta nueva serie. Comoquiera que Gracia aceptó la sugerencia, Logos y lo misterioso heraclíteo se constituyeron entonces en algunos de los puntales de nuestras reflexiones sobre esta serie.

Logos, la última serie pictórica emprendida por el artista Manuel Gracia supone la evolución de una búsqueda que le condujera a través de sus series abstractas Fluid Ambient, en las que logró ocultar por completo cualquier rastro de la textura de los pigmentos empleados en la superficie pictórica[3]. Ya en su serie Fluid, iniciada en 2011, Gracia recurría a pigmentos al óleo muy diluidos o a la pintura al esmalte, logrando en algunas de las obras que la integran la dificultosa eliminación de cualquier textura en la superficie pictórica. El desarrollo expansivo del cromatismo desde puntos, en ocasiones, claramente reconocibles, apela a la imaginación con expresiones de crecimiento y germinación. Con pintura arrojada como punto de partida, y sin el control que confiere un pincel, la serie Fluid concitaba al azar, constituyendo las obras que la integran aquellas en las que Gracia despliega un mayor automatismo, una premeditada suspensión en el rigor de la construcción de su composición, si bien, como reconocía el pintor, el azar puede ser condicionado. Por su parte, en la serie Ambient, iniciada en 2010 y aún en proceso, Gracia lograba resultados pictóricos ambientales que abrazan al espectador con una luminosa y embriagadora intensidad. Y, en este sentido, la serie Logos se constituye en una feliz consecuencia de los hallazgos de las series Ambient Fluid, encontrándose en el extremo opuesto al ocupado por la abstracción que hace de la superficie pictórica un territorio surcado de accidentes y de materia.

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Manuel Gracia: Logos 162. 2016, lacas y óleo sobre mdf, 160 x 160 cm

Las pinturas de la serie Logos, en virtud de la ductilidad y la brillantez de su estrategia artística , ofrecen una seducción penetrante. La concitación del azar controlado, del movimiento y la brillantez de los esmaltes empleados en estas pinturas contribuyen a que las obras de la serie Logos logren, mediante una imagen detenida en el tiempo, la comunicación de la fluidez de la existencia, una suerte de aleph borgiano, o, en palabras del propio artista, la “delineación de lo infinito en olvido consciente de lo finito”.

Con la consecución de un lenguaje de extraordinaria depuración, el conjunto de la serie Logos se constituye en una invitación a la suspensión de lo cotidiano, que  conduce a un territorio de extrañeza, liberado de cualquier constreñimiento interpretativo. La serie se constituye, así, en un abrazo de la sensación y el transporte a una introspección personal.

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Manuel Gracia: Logos 158. 2016, lacas y óleo sobre mdf, tondo, diámetro de 93, 5 cm

La serie, bautizada a partir del  concepto heraclíteo de Logos, se erige en una búsqueda estética que persigue el establecimiento de una comunicación de su espectador con lo esencial. Así, el filósofo presocrático Heráclito, conocido ya en la antigüedad como “el oscuro” por lo misterioso de su pensamiento, afirma la presencia de un Logos esencial que habita en todo lo existente, una unidad que se manifiesta en un incesante contraste entre opuestos. Una secreta armonía que se desarrolla en un dinamismo imperturbable, perpetuo, en un fluir constante, generador de cuanto acontece: “todo fluye” (panta reî). Gracia accede al reto de detener la creación en una imagen para excitar en el espectador la ilusión de lo sutil, de lo móvil, de lo voluble, de la afección mutua. En ello estriba el reto de su planteamiento estético.

Heráclito prima un elemento sobre el resto: el fuego hasta convertirlo en el esencial en su teoría de la materia, pero podría aducirse que no lo hace al modo de los físicos, como Tales de Mileto (con el elemento agua) o Anaxímenes (con el aire). El fuego de Heráclito no sería un elemento físico, una sustancia originaria, o principio de todo lo existente, sino una imagen para referirse el perpetuo cambio. Imagen, pues, Heráclito puede ser considerado, fundamentalmente, un esteta. Frente a la búsqueda de un principio o fundamento sustancial, Heráclito afirmaría un Cosmos falto de sustancia, regido exclusivamente por un “acontecer puro”, no regido por ley alguna más que por el Destino universal, en el que se manifiesta una constante: Logos, que es razón, o medida. Una armónica relación entre las antinomias que definen, en su lucha, el movimiento incesante. En este sentido, resulta sumamente interesante acceder a la experiencia estética a la que nos invita Gracia en su traducción visual de una atmósfera dinámica, lograda, no obstante, con imágenes estáticas, las de la forma definitiva de sus obras pictóricas[4].

Manuel Gracia precisa para su desarrollo plástico de unos pigmentos fluidos que manipula vertiginosamente, obedeciendo más al impulso que a una recreación constante y reflexiva del conjunto. Tras un proceso de reflexión previa tendente a la elección de los colores  y de sus relaciones, el establecimiento último de los pigmentos sobre la superficie se caracteriza por su celeridad. Gracia se dirige a expresar algo que es necesariamente fugitivo y evanescente en una acción comunicadora que hace de la obra un hito en un camino que se abre y que se obra en su contemplador. La intervención del azar es evidente. La fluidez de la pintura provoca la imposibilidad de su corrección.

Las pinturas de Gracia son abstractas al constituirse en manifestaciones de un proceso pictórico fluido en el que es el pintor mismo, su libertad, su baile, el que se manifiesta. La ausencia de referencias concretas en sus títulos, que se limitan a identificar un número de opus de cada una de sus series, contribuye a no reducir la experiencia del espectador en una pauta interpretativa unívoca. No obstante, frente a este orden geométrico, simétrico, regular, Gracia impone una elaboración lírica y orgánica, la de sus pigmentos. A la forma como pura forma se enfrenta la emisión afectiva. A la pretensión de orden y estabilidad le contesta la vida con su inasible indeterminación. A la razón, el instinto. A lo detenido, el fluido.

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Manuel Gracia: Logos 164. 2016, lacas y óleo sobre mdf, 170 x 110 cm

Al igual que ocurre con las obras de los creadores de la pintura all-over, las pinturas de la serie Logos de Manuel Gracia constituyen manifestaciones de una creación que se quiere dirigir fundamentalmente a los sentidos. De modo similar a las pinturas de Mark Rothko o de otros artistas esenciales del pasado siglo, las obras de Gracia, en las que el artista aporta soluciones abstractas particulares, logran abrigar al espectador en un campo cromático. Es la suya una pintura de valores atmosféricos, ausente de violencia, y cargada de una actitud vigorizante que baña al espectador en una hipnótica experiencia sensorial.

Si el logro mayor de Gracia estriba en la consecución de resultados pictóricos atmosféricos que abrazan al espectador con una luminosa y embriagadora intensidad, la serie Logos se dirige de modo central a la forja de un territorio arreferencial, imbuido de dinamismo y con el logro de una sensible proyección emocional sobre el espectador.

Notas:

[1] Nos ocupamos de estas series en el ensayo “Un recorrido por las abstracciones pictóricas de Manuel Gracia”, publicado en Manuel Gracia. Obra reciente / Recent Works. Madrid, edición del autor, 2014. Texto sin paginación.

[2] Palacio publicó en el volumen titulado Doctrinas filosóficas de Heráclito de Éfeso (Santiago de Chile, Ercilla, 1935), una traducción española de la edición de los textos heraclíteos dada a la imprenta por Maurice Solovine (Heráclite de Ephèse: Pensées philosophiques. París, Payot et Cie., 1918). Como Palacio sintetiza en algunos breves ensayos divulgativos, la obra de Heráclito resulta fundamental en la historia del pensamiento occidental por cuanto en ella se abraza como connatural el dinamismo y el combate en pares opuestos de todo cuanto existe. La esencia misma de la existencia estriba en su necesidad de transformarse. E inequívoca, en este sentido, resulta la referencia al pensamiento heraclíteo que se halla en este pasaje de la novela palaciana Débora (Quito, 1927): “El arco de la vida se herrumbra en el descanso”.

[3] La primera presentación de un nutrido número de las pinturas que integran la serie ha tenido lugar en la exposición Logos, abierta en la madrileña galería MovArt, entre los días 19 de febrero y 1 de abril de 2016.

[4] La pesquisa estética del artista se dirige hacia la introspección personal del espectador de sus obras. En este sentido, el artista ha brindado la siguiente declaración: “Creo que la pintura, tanto por su maleabilidad, por su carácter físico, cuanto por la posibilidad que ofrece para crear imágenes surcadas, estratificadas, experimentadas, es decir, la confluencia en su realización del examen y del hacer de los ojos y las manos, permite al arte pictórico constituirse en un instrumento privilegiado para la creación de un imaginario capaz de ser disfrutado con una actitud detenida, introspectiva. En un mundo saturado hasta la extenuación por estímulos visuales efímeros y banales, persigo a través de mi trabajo, y desde la intuición, un encuentro con la sensibilidad del espectador que le conduzca a una experiencia intimista y afectiva. Un vehículo, como lo es la poesía, para un mayor conocimiento de uno mismo, de los propios impulsos y de los propios anhelos”.

 

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Acerca de juliocesarabadvidal

Julio César Abad Vidal es Premio Extraordinario de Doctorado en Filosofía y Letras por la Universidad Autónoma de Madrid, es Doctor en Filosofía (Área de Estética y Teoría de las Artes), Licenciado en Historia del Arte y Licenciado en Estudios de Asia Oriental, asimismo por la UAM. Desde su primera publicación, en 2000 y, en sus proyectos como docente y comisario, se ha dedicado a la reflexión sobre la cultura contemporánea con tanta pasión como espíritu crítico. Crédito de la imagen: retrato realizado por Daniela Guglielmetti (colectivo Dibujo a Domicilio); más información en https://juliocesarabadvidal.wordpress.com/2015/07/29/dibujo-a-domicilio-un-cautivador-proyecto-colectivo-socio-artistico/

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